Quelque part dans la galaxie, au bout du monde, là où les rochers volent dans les airs, il existe une terre peuplée d’animaux étranges. 

Un minuscule roc habité par un être mi-homme mi-caillou, une sorte de troglodyte solitaire dont l’existence tranquille va se voir bousculée par l’arrivée d’une curieuse voyageuse. Une aventurière aux semelles de vents qui porte le cirque en elle. Comment ces deux personnages vont-ils apprendre à s’apprivoiser ? 

Un cirque minimaliste et fantastique composé d’exploits circassiens et de bricoles magiques. 

Un grand voyage à faire en famille qui insuffle la liberté et éveille le goût de la rencontre.

Un univers loufoque où la gravité n’est décidément pas la même.

Sortie famille à partir de 5 ans

Nul doute que c’est à revers qu’il faut prendre Hildebrandt. Derrière ce nom, aux consonances résolument germaniques, à la croisée des sursauts de l’Histoire, on trouve un natif de La Rochelle, solidement arrimé aux îles de lumières qui l’entourent. Sa silhouette imposante et sa voix puissante vont de pair avec un mélodiste acharné, continuellement à la recherche d’une immédiate simplicité, où la pluralité musicale électro-rock, la finesse des arrangements et la poésie de la langue française résonnent en harmonie.

Après Les Animals en 2016 – récompensé par le Grand Prix de l’Académie Charles-Cros – Hildebrandt s’est lancé dans son deuxième album, îLeL, comme une quête solitaire et nécessaire, à revers des normes et des injonctions préconçues. Muni des œuvres de Stevenson, il s’est retiré dans un refuge de montagne ou sur des îles atlantiques. Dans îLeL, il explore un territoire où le masculin se déploie à rebours, où les genres se confondent et les émotions se bousculent. 

Sur scène, Hildebrandt fait de son corps un vecteur brut d’émotions, attentif à laisser la place à la fragilité comme à la générosité. Il crée une bulle de sensibilité et de partage à découvrir et à explorer.

Rémi Béton - comédie fantastique - raconte l'histoire d’un personnage hors-norme. Qui est Rémi ? Que veut Rémi ? Où va Rémi ? Ce sont les questions que ne cessent de se poser tous les personnages de la pièce qui croisent cette jeune femme insondable. Car Rémi est née fille, même si ses parents auraient largement préféré élever un petit garçon, à tel point qu’ils ne prennent même pas la peine de changer son prénom. Elle s’appelle donc Rémi. Brillante ingénieur, passionnée par la construction des ponts et passerelles, totalement repliée sur ses fantasmes de constructions monumentales, Rémi est une personne qui ne rentre pas dans le cadre.
Lorsqu'elle se voit confier la conception d’un pont immense, un projet pharaonique, sa véritable nature va se révéler. En effet, en plus de sa formidable intelligence, elle possède un pouvoir surnaturel : lorsqu’elle pose sa main sur son plexus solaire, les structures autour d'elle s’effondrent, entraînant opportunément sur leurs passages tous ceux qui faisaient obstacle à sa soif de liberté et à son ambition.

Dans un espace-temps hors du monde, une femme nous convie à une ultime visite à sa mère. En s’adressant directement au public, elle nous invite à partager leur intimité, dévoilant la complexité de leur relation et l’ambivalence de ses émotions face à l’angoisse d’une disparition inéluctable. 

Dans un va-et-vient entre complicité et défiance, se déplient les strates du quotidien de la maison de retraite, où se déclarent des sentiments aussi cruels qu’infiniment tendres et où s’incarnent l’emprise de la vieillesse et l’apprentissage de la séparation. 

En accompagnant sa mère vers ce qui l’éloigne de plus en plus du monde des vivants, la fille contemple en toute lucidité l’image de son propre vieillissement. Que reste-t-il de la féminité lorsque le corps se défait, lorsque les rôles s’inversent ? Miroir sans fioriture des liens filiaux, cette ultime visite nous parle de l’héritage énigmatique et joyeux, profondément charnel, entre mère et fille, de la dignité d’un combat mené jusqu’au bout. 

Entre théâtre et danse, ce duo interroge la relation mère-fille jusque dans la vieillesse et l’apprentissage de la fin de vie. Sur scène, les corps se frôlent, s’aiment ou s’agacent. Deux femmes emportées dans une danse en forme de séparation, aussi magnifique que bouleversante.

Thérèse est une fille de la campagne, qui ne s’est pas mariée, qui vit avec sa soeur sourde, qui a reçu en héritage un monde qui n’existe plus. Presque plus. Elle est à elle seule une zone naturelle qu’elle compte bien défendre.

Thérèse vous reçoit chez elle, vous propose une chicorée, du lait de ses chèvres, une biscotte.

Thérèse est sympathique. Mais…

Elle a des problèmes avec ses voisins. C'est de famille. Dans sa famille, on ne s'est jamais entendus avec les voisins. Du coup, elle pense à construire un mur. Dans sa cour. Et si la guerre commence, alors elle aimerait mieux que vous soyez de son côté à elle. C'est normal, puisque c'est son côté qui est le bon. C'est pour ça qu'elle vous a invités.

Une nuit, dans un hôpital public français, des secrétaires médicales, un anesthésiste, une médecin urgentiste, un infirmier, une aide-soignante, un brancardier, deux sœurs venues prendre des nouvelles de leur frère, un homme sans-domicile-fixe arrivé pour un poignet cassé et tant d’autres se croisent et se parlent. 

De leurs dialogues émerge l’architecture d’un grand bâtiment tentaculaire, une sorte de ville allumée dans la nuit : un hôpital avec son service d’urgence...

À travers leurs paroles apparaissent également les failles d’une institution qui demande à ses travailleurs de faire plus avec la même rémunération et moins de matériel et moins de temps. Les colères montent, les désespoirs s’accroissent et les solidarités s’organisent pour mener à bien le soin, remplir ses devoirs professionnels et moraux envers le patient ou le proche malade. 

Écrite pour cinq comédien.ne.s, la pièce met en scène une vaste galerie de personnages. Les scènes sont courtes, alternant le drame et la comédie, elles s’enchaînent très rapidement, de sorte à obliger scéniquement à une sorte de ballet virtuose des corps des comédien.nes sur la scène.

Ce ballet racontera le rythme imposé par une politique néo-libérale qui use les corps humains, mais aussi la force du collectif organisé pour maintenir, hors de la mort et contre vents et marées, des vies.

Bien au-delà du spectacle, Le Cirque des Mirages est une expérience totale, musicale, visuelle, textuelle, à la fois violente et poétique, dont on ressort forcément chamboulé. 

Il y a 20 ans, Yanowski et Fred Parker ont inventé Le Cirque des Mirages, une sorte de cabaret-théâtre expressionniste et fantasmagorique à l’univers trouble et troublant, qui défie nos sens, bouscule nos habitudes, explore nos carcans. Un duo qui donne à voir, à entendre, à rire et à penser. 

Yanowski, né poète, dévoreur de chansons, le regard clair, lyrique, théâtral, immense, en mouvement perpétuel.

Fred Parker, petit, vif, incisif, personnage un peu sombre, nourri au jazz et à la musique contemporaine. 

Envoûtants, Yanowski et Parker… Explorateurs en fragile équilibre, sur le fil de la raison et de la déraison, éveilleurs de conscience et d’inconscients. 

Leur Cirque des Mirages fait surgir un invisible qu’on ne soupçonnait même pas !

“Voltairine, 70 ans, est à un tournant de sa vie. Hier, la Tour 53 a été détruite. Aujourd’hui, sur les ruines de la Tour, elle vient dire adieu à ses souvenirs d'enfance. Mais quelqu’une est venue au rendez-vous alors qu’elle n’y était pas conviée… C’est sa mère, qui lui apparaît sous ses traits de jeune femme, à l’époque où elle, Voltairine, était une petite fille. S’engage alors un ultime dialogue entre une mère, dont les pieds ont toujours été sur terre, et une fille, dont la tête est encore ailleurs, dans les nuages de l’imaginaire. A moins que ce ne soit l’inverse ?”

Si être candide, c’était être vraiment libre ? 

Pour retrouver liberté, amour et bienveillance, le chorégraphe Gabriel UM écrit des lettres sur le monde qui l’entoure à son « moi » enfant, son candide. Là est le point de départ de cette pièce entre inspirations urbaines et expérimentations mouvementées. 

Candide 1.6 nous replonge dans la candeur, dans cet optimisme un peu béat qui nous permet de renouer avec l’insouciance et la spontanéité naturelle, une forme de liberté instinctive liée à notre enfance. 

Au sien d’un groupe bien organisé, sept interprètes : danseur.ses, musicien et poète, nouent un dialogue avec leur enfant intérieur et tentent de (re)conquérir leur liberté.

L’espace scénique se veut épuré, marqué par la seule présence d’un objet scénographique imposant : un cube blanc. Ce dernier est représentatif d’une version en trois dimensions de la notion de cadre. 

Dans le spectacle, il porte différentes symboliques, aussi bien l’intimité de la chambre d’enfant que la norme à dévier, détourner, explorer… Différentes métaphores des cadres sociaux avec lesquels les interprètes joueront sans cesse.

C’est l’histoire d’une troupe. Des comédien.nes, l’autrice, un metteur en scène absent, un administrateur au combat. Un public. 

L’autrice écrit pour eux, sur eux, et sur leurs conditions de travail et leur précarité.

La réalité extérieure, la vie, le monde et son actualité, s’insinuent dans le quotidien de la troupe.

Partout des luttes sociales, des manifestations, des résistances qui s’érigent contre les injustices. Partout le désir de retrouver du sens commun.

Nous naviguons entre fiction et réalité. Est-ce le texte de l’autrice? Est-ce le présent de la répétition qui s’ajoute au scénario? Qui joue la pièce, qui ne la joue pas? Ici on négocie avec l’existence, on est à fleur de peau, comme chez Tchekhov, on est des équilibristes fragiles et menteurs comme chez Pirandello, La vie est une comédie. 

« Nous avons vécu de belles expériences. Nous bataillons. La lutte et la précarité nous connaissons. Nous croyons au service public. Nous servons le public, c’est le fondement et l'enjeu de notre métier. Nous y croyons. « Nous » c’est une compagnie et c’est une personne. C’est en observant cette entité fragile et pourtant résistante, ceux qui la composent et qui la nourrissent, que le projet prend racine. Une troupe, c’est une micro société : la mise en commun du rêve, du quotidien et de la création. La troupe comme le reste du monde est violemment menacée par des vents contraires. La troupe est aussi une famille, un collectif, elle porte des valeurs de résistance, elle sert l’idéal commun par le créatif. » Cendre Chassanne.

Pierre vient d’avoir un petit frère. Pas toujours facile de trouver sa place. Alors Pierre joue seul dans sa chambre, entre des murs qui bloquent son corps mais pas son imaginaire.

Un jour, il s’invente un jumeau de carton et de scotch… C’est une fille, elle s’appelle Ogdog. Son monde à elle est turquoise et rempli de forêts lumineuses, de jeux débridés, de pluies de billes et de danses de renard. Un monde où les divagations feraient sens et où rien ne serait exactement à sa place. Il suffit de traverser, d’oser creuser les murs à la petite cuillère pour alors se trouver une soeur ou un frère.

Dans une scénographie dépouillée et sur une musique vibrante, les corps des deux acteurs nous racontent cette fable fantasque, cette fantaisie onirique où Karin Serres nous plonge avec la folie et la sincérité des mots dans cette langue tourbillonnante qui la caractérise.

Sortie famille à partir de 4 ans

Pour la 1ère fois dans sa carrière, Fawzy Al-Aiedy rend hommage à la chanson arabe de l’Orient (Irak, Syrie, Liban, Jordanie, Égypte) et du Maghreb (Maroc, Tunisie, Algérie), hommage pimenté avec ses propres mélodies. 

A travers Ishtar Connection, les chansons, les modes et les rythmes traditionnels dialoguent avec les sons et les pulsations électroniques. C’est une alchimie improbable mais irrésistible, entre world music et électronique, inventée par un maître de la musique orientale et trois jeunes musiciens issus des musiques actuelles. 

Des références musicales modernes font écho à une tradition séculaire. Le oud électrique et le chant arabe se croisent avec des textures électroniques, les sonorités d’une cornemuse et autres instruments acoustiques, dans une harmonie et un groove inattendus, le tout transcendé par des arrangements modernes et pertinents.

Quel nom pouvait mieux coller à ce projet que celui d’Ishtar, figure majeure et fascinante de la mythologie mésopotamienne, symbole de la dualité et des contraires. Ishtar Connection lance un pont entre la tradition et la modernité, proposant un espace de liberté, un moment résolument festif où se rencontrent les cultures, où naissent d’irrésistibles envies de danser... 

Bienvenue au fest-noz oriental.

Deux couples de parents s’interrogent sur les actes de leurs enfants qu’ils ne parviennent plus à comprendre. Un homme fait intrusion sur la terrasse de deux vacanciers. Deux frères et une soeur en deuil, un inspecteur de police, et une infirmière se déchirent dans un couloir d’hôpital. Un homme et une femme se retrouvent après des années dans un étrange hôtel. Une jeune femme est coincée la nuit dans une ZAC.

Ces cinq histoires ont un point commun. Chacune se passe un soir de deuxième tour d’élection présidentielle française entre 1995 et 2017. Ces histoires n’ont à première vue aucun rapport avec ces élections. Pourtant, tout en elles à rapport, car chacune, à sa manière, travaille à raconter l’époque qui l’a produite.

Traversés par des présences/absences sonores, deux interprètes, loin de leurs propres langages chorégraphiques, s’emparent du geste artistique d’Yvann Alexandre, et investissent une réécriture au temps présent des répertoires endormis. Porteurs de tous nos êtres, tours à tours glissants, solitaires, amoureux, en élan ou en tension, ils nous transportent au coeur d’une île, vaste et infini champ des possibles. Tel un paysage karstique, la chorégraphie est un voyage dans les longs et profonds chemins intérieurs de ces espace-temps d’où surgissent la rencontre et l’humanité. Sans artifice et aux multiples visages, Infinité est une matière vivante qui convoque l’air et le circulaire, envahit l’espace, déborde du cadre et qui, à chaque geste, donne à voir une infinité de mondes nouveaux.

Ou comment le lapin pose des questions vraiment très intéressantes pour comprendre tout un tas de choses du monde d’aujourd’hui.

Du clapier à l’élevage industriel, de l’espèce invasive ayant détruit de nombreux écosystèmes aux résistants de Kerguelen, de celui envoyé dans l’espace en 1959 par les russes, aux victimes du tueur en série des côtes d’Armor, les lapins seraient devenus l’un des signes de la mauvaise santé planétaire, le marqueur des processus d’appauvrissement et d’extinction du vivant.

Mais les lapins sont-ils vraiment aussi crétins ? La question est évidemment essentielle. 

Avec sa compagnie, Frédéric Ferrer met en scène des cartographies, spectacles sous  forme de conférences délirantes, absurdes et oniriques, pourtant issues d’enquêtes de terrain auprès de scientifiques.

Un récit où l’on retrouvera avec joie et bonheur le plaisir de l’oralité, la dramaturgie du powerpoint, des textes et des images projetés, mais aussi des arguments, des témoignages et des preuves à foison, manipulés par un conférencier qui cherchera à en finir urgemment, et une bonne fois pour toute, avec la question lapine.

Comédie en 3 actes restituée par Georges Forestier.

Dans une famille bourgeoise, Orgon, le père décide de recueillir dans sa maison le dévot Tartuffe. La présence de ce « saint homme » au sein du foyer et son influence sur le maître de maison va bouleverser l’équilibre familiale. Malgré sa dévotion, cet homme soupire pour Elmire, la femme d’Orgon. Plus les membres de la famille essayent d’ouvrir les yeux d’Orgon, plus Tartuffe sort vainqueur de ces confrontations. Jusqu’à la chute finale… 

Écrite en 1664, Tartuffe est sans conteste un des plus grands chefs d’œuvre de Molière et sa pièce la plus engagée politiquement. Pourtant - fait incroyable - la première version de Tartuffe, présentée au roi pendant les fêtes de Versailles puis censurée par l’Église, a véritablement disparu. À l’occasion du 400ème anniversaire de la naissance de Molière, Georges Forestier, après un important travail de recherche, a recréé cette version originale en 3 actes, nous amenant un nouveau point de vue sur le personnage de Tartuffe : le faux dévot de la pièce en 5 actes devient un véritable dévot aux prises avec la tentation de la chair… 

C’est cette version plus courte et plus incisive, présentée également cette année à la Comédie Française, que nous avons choisi de créer. Le Tartuffe ou l’Hypocrite se jouera en extérieur devant la façade de la maison du maître Orgon, au moment des Années folles et au coeur d’un monde en plein basculement, où bouleversement des moeurs et mutations technologiques viennent remettre en question les rapports hiérarchiques fondamentaux de la société d'alors.  

En partenariat avec le Château d’Oiron-Centre des Monuments Nationaux