Kellylee Evans est, à juste titre, considérée comme l’une des plus belles voix de sa génération. Cette chanteuse canadienne rencontre le jazz très tôt et quitte définitivement les études dans les années 2000, convaincue que c’est à travers sa carrière artistique qu’elle peut s’épanouir. En 2001, la rencontre de Kellylee Evans avec le contrebassiste Lonnie Plaxico va donner une nouvelle impulsion à sa carrière, puisqu’elle lui permet de chanter avec le saxophoniste Ravi Coltrane. Kellylee Evans sort son tout premier album en 2006, qu’elle intitule ” Fight or Flight ? “. Elle reçoit alors le prix de la Meilleure Artiste Féminine de l’année, lors des Canadian Smooth Jazz Awards. Quatre ans plus tard, c’est l’album «Nina » qui offre la consécration à la chanteuse canadienne et lui permet ainsi un rayonnement mondial. Elle débute alors ses tournées à travers le monde. Kellylee Evans aime travailler sur des projets originaux et surprenants. En 2010, l’album hommage à Nina Simone a mis tout le monde d’accord. Trois ans plus tard, elle surprend et plaît grâce à des reprises, non pas de classiques du Jazz, mais de musiques d’artistes populaires des scènes urbaines, à l’instar d’Eminem, de Kanye West ou de John Legend. En reprenant des chansons totalement inattendues, Kellylee Evans parvient à leur imposer son propre style, sa propre empreinte vocale. Elle « jazzifie » des morceaux qui ne pourraient l’être sans elle, tels que « My Name Is », d’Eminem ou « Alors on Danse », le tube de Stromae, devenu pour l’occasion « And So We Dance ». En 2015, elle sort un nouvel opus, « Come on », avec dix chansons qui vont à l’essentiel, sans se soucier des frontières stylistiques et temporelles, à l’image du premier single « Hands Up », qui flirte avec les rythmes du reggae et de la soul. Ce titre traduit toute la joie de vivre de Kellylee Evans, celle que l’on perçoit chez elle également lorsqu’elle est sur scène et qu’elle a donc gracieusement insufflée dans cet album. Produit et co-écrit par Eric Legnini, c’est un projet d’une vision forte et d’une grande exécution qui marque le retour de Kellylee Evans en tant qu’exploratrice et interprète audacieuse. Kellylee Evans livre donc un répertoire aux frontières du Jazz, de la soul et du groove, le tout avec talent et générosité, sans oublier de conserver l’identité qu’elle s’est forgée jusqu’à présent, et qu’elle ne cesse d’explorer.

Musiciens :
Kellylee EVANS : Chant
Hervé SAMB : Guitare
Stéphane CASTRY : Basse
Tilo BERTHOLO : Batterie

Descendant de la famille royale du Burundi, J.P. Bimeni a quitté son pays à l’âge de 15 ans au moment de la guerre civile de 1993. Suite à trois tentatives d’assassinat à l’école, ses camarades ont été tués sous ses yeux, un membre de la milice l’a poursuivi en moto et les médecins ont tenté de l’empoisonner à l’hôpital il se voit octroyer le statut de réfugié et se rend en Angleterre. Porté par un groove qui rappelle les classiques des années 60 de Stax et de la Motown, l’album a été écrit et composé par le directeur musical Eduardo Martinez et le songwriter Marc Ibarz. Bimeni imprègne les compositions de son expérience tragique, faisant de « Free Me » la bande originale de sa vie de souffrance : “ la musique est une façon d’oublier ” explique J.P. Bimeni. Sur « Free Me », des jams funk enlevés succèdent à des ballades soul chaleureuses et le tout est sublimé par la touche africaine qu’apporte Bimeni. Que ce soit le funk conscient de ‘Honesty is a Luxury’’, le provocateur ‘Don’t Fade Away’ ou l’émouvant ‘I Miss You”, Bimeni avec son large spectre vocal, fait montre d’une exceptionnelle profondeur. Le fait que Bimeni ait vécu une vie si tragique et qu’il soit en mesure d’en rendre compte donne à ces chansons une résonance toute particulière. “Quand j’étais sur mon lit de mort, après qu’on m’a tiré dessus, un prêtre est venu pour me donner les derniers sacrements” se souvient-il. “ Je l’ai regardé et je lui ai dit que je n’avais pas l’impression que j’étais sur le point de mourir, que j’allais vivre encore longtemps, aller à la rencontre du monde et me prouver à moi même que la vie n’était pas que haine et assassinats ”. À l’âge de 16 ans, il quitte l’Afrique pour le Pays de Galles et rejoint un collège prêt à l’accueillir : “ J’étais seul, aux abois, drogué aux antidouleurs mais j’étais très heureux de m’en être tiré ” . En cette période sombre, la musique lui offre un peu de répit : “ C’est au Pays de Galles que j’ai acheté des disques pour la première fois des compilations de Ray Charles, Otis Redding, Bob Marley et Marvin Gaye ” . Après deux ans au collège, Bimeni obtient une place à l’université du Lancashire pour étudier l’économie et la politique c’est à cette époque qu’il donne son premier concert, dans un pub. Il déménage à Londres en 2001 et y découvre toutes les possibilités musicales que la capitale a à lui offrir : il participe à des jam sessions avec le groupe de Roots Manuva, des open mics avec Shingai Shoniwa, la chanteuse du groupe Noisettes et rencontre une très jeune Adele. C’est une invitation à rejoindre un spectacle autour d’Otis Redding, en 2013, qui le met sur la voie sur laquelle il est aujourd’hui. Alors qu’il est invité par le groupe de funk Speedometer pour un concert en Espagne en 2017, les représentants du label Tucxone Records le repèrent… et savent instantanément qu’ils ont trouvé la perle rare. Ils l’associent au groupe The Black Belts : Rodrigo Diaz Niño (batterie et percussions), Pablo “Bassman” Cano, Fernando Vasco “Two Guns” (guitare), Ricardo Martínez (trompette) et Rafael Díaz (saxophone). Ensemble, ils enregistrent l’album « Free Me », à Madrid, pendant l’hiver 2017. Pour J.P. Bimeni, la musique est un moyen de survivre : “ Il faut savoir mettre sa souffrance et ses problèmes de côté et laisser d’autres sentiments prendre le dessus ” dit il. À la fois spirituel et plein d’esprit, il fait preuve d’une positivité infaillible qui peut être un exemple pour beaucoup : “ Je rêve de retourner un jour au Burundi mais je n’oublie pas que les moments tragiques que j’y ai vécus m’ont permis de découvrir le monde ”.

Musiciens :
Jean Patrick BIMENI : Chant
Alejandro LARRAGA : Claviers
Rodrigo ULISES : Batterie
Pablo CANO : Basse
Fernando VASCO : Guitare
Rafael DIAZ : Saxophone
Ricardo MARTINEZ LOSA : Trompette

[ELLES] ce sont des chansons écrites et composées par des femmes qui ont résonné en moi. Au-delà de ces chansons ce sont leurs interprètes qui m’ont donné la force d’être ce que je suis, à mon tour une chanteuse, une femme. C’est un spectacle qui interroge notre rapport à la musique et notre capacité à y trouver de quoi être plus forte. Afin d’essayer de partager au mieux l’essence des mélodies et des textes, j’ai choisi de m’accompagner de ma simple guitare complétée par deux instruments acoustiques la flûte traversière et le violoncelle. Pour construire le répertoire de [ELLES] j’ai eu envie de bouleverser les habitudes, de me placer du côté du public et de m’interroger en tant que spectatrice et auditrice de chanson. Je me suis donc posé la question de savoir quelles chansons ont accompagné mon parcours de vie.

Musiciens :
Sandra NKAKE : Guitare, Chant
Jî DRÛ: Flute traversière, Chant
Paul COULOMB : Violoncelle, Chant
Alan LE DEM : Son
Diliana VERKHOFF : Lumières

L’origine du trio M.O.M., c’est une rencontre inattendue sur le plateau de tournage de la série Netflix « The Eddy ». Entre Jowee Omicil et Louis Moutin, la connexion est immédiate, instinctive. François Moutin, de passage à Paris à la fin du tournage, se joint à Jowee et Louis pour quelques home-sessions. Le trio y improvise en toute liberté sans aucune convention préalable, porté dans l’instant par le fil de l’imagination et par l’écoute collective. Un son surgit, des mélodies naissent. Un univers s’ouvre, au point d’équilibre des trois personnalités. Naturellement, la créativité du trio semble couler de source, aussi fluide que jubilatoire. M.O.M., c’est une musique à la fois joyeuse, intense, profonde et spontanée.

Musiciens :
Jowee OMICIL : Saxophones
François MOUTIN : Contrebasse
Louis MOUTIN : Batterie

Passionné depuis l’enfance par le basket-ball, c’est à la suite d’une blessure que Yaron Herman se tourne vers la musique et le piano plus particulièrement, dont il commence la pratique à l’âge de seize ans. En 2003, Yaron Herman enregistre un album en duo avec le batteur Sylvain Ghio, « Takes 2 to know 1 ». Vient ensuite la rencontre avec le Label LABORIE Jazz et une collaboration durant plusieurs années avec 3 disques d’exception, son premier album solo, intitulé « Variations », sorti en 2006. Acclamé par la critique, le disque est suivi d’une tournée qui le mène à se produire à la Cité interdite à Pékin, une première pour un pianiste de jazz. Elu talent jazz Adami en 2007, Yaron forme un trio avec le contrebassiste Matt Brewer et le batteur Gerald Cleaver, avec lequel il enregistre « A Time for Everything » (2007) où titres originaux croisent reprises étonnantes du « Toxic » de Britney Spears ou du « Message in a Bottle » de Police. Viendra ensuite « Muse » en 2009, où la rencontre entre le Trio et le Quatuor EBENE, signera parmi les plus belles pièces d’un Quatuor à cordes sur ses compositions. Pour « Alter Ego », paru en 2012, Yaron Herman élargit son trio qu’il formait deux ans avant avec Chris Cordini (contrebasse) et Tommy Crane (batterie) à un quintet avec les renforts des saxophonistes Émile Parisien et Logan Richardson sur les onze compositions originales. Après son album « Y » en 2017 qui a bousculé un peu les esprits, flirtant avec la chanson traditionnelle, la musique classique et développant des expérimentations vocales et sonores assez envoûtantes, il renoue en 2019 avec la formule classique du trio acoustique, accompagné de son ami de longue date, Ziv Ravitz à la batterie et Sam Minaie, un élève de Charlie Haden, à la contrebasse. Aujourd’hui, il est sans doute l’un des pianistes de jazz contemporains qui valorisent le plus la mélodie et les émotions qu’elle génère.

Musicien :
Yaron HERMAN : Piano

Acteur important de la scène jazz française contemporaine, le flûtiste, arrangeur et producteur Jî Drû est un amoureux du son qui s’aventure, avec toute sa finesse, sur les traces d’une musique moderne et épurée où la poésie côtoie la révolte humaniste. Dans les années 2000, il a collaboré sur scène avec divers artistes comme Magic Malik, Julien Lourau, Les Troublemakers, Toma Sidibé et parcourt ainsi les scènes de France, d’Europe et les principaux festivals de musique. Ces projets vont le conduire dans plus de 40 pays à présenter son jeu particulier de flûte et à donner de la voix. En 2006 il crée sa propre formation, « Jî Mob » avec laquelle il sort trois albums. Puis, il créé le groupe « Push up !» pour lequel il produira deux albums. Il co-écrit et réalise deux disques de Sandra Nkaké. Il participe à de nombreuses créations live et croise la route d’Omar Sosa, Tony Allen, Hocus Pocus entre autres, et crée en duo avec Sandra Nkaké le spectacle « Shadow Of A Doubt ». Le leader des formations Jî Mob et Push up! signe aujourd’hui un premier album sous son nom, « Western », à la fois raffiné, expressif et fantaisiste. Pour ce projet, on retrouve les sons hypnotiques du piano d’Armel Dupas, la voix envoûtante de Sandra Nkaké, les rythmes inventifs de Mathieu Penot pour accompagner les volutes de flûtes et le chant de Jî Drû. Chaque morceau crée son propre univers, un monde multi-coloré et unique dans lequel nos sensations valsent et virevoltent sous le charme de la flûte de Jî Drû qui creuse un sillon quelque part entre Yusef Lateef, Cinematic Orchestra et Mélanie de Biasio, celui d’un jazz moderne et épuré qui tisse des histoires qui vous feront vibrer. Un disque raffiné, qui exprime une sensibilité à fleur de peau à faire succomber les plus endurcis. « Western » est un incroyable périple musical qui nous fait vagabonder à travers des ambiances et des atmosphères oniriques où les volutes de flûte se mêlent aux voix et aux chuchotements. Dès l’intro du premier titre « Always on yourmind », on ressent une certaine volupté portée par les voix de Sandra Nkaké et de Jî Drû. Pour lui, ce western évoque « un genre qui explore les travers de l’âme et du comportement humain ». Un jazz métissé, hybride, à l’écoute à la fois de sonorités actuelles et du groove éternel. Un jazz moderne et épuré, plein de poésie et de révolte, pour un quartet dont on n’a pas fini de parler.

Musiciens :
Jî DRÛ: Flute traversière, Chant
Sandra NKAKE : Chant
Arnaud FORESTIER : Fender Rhodes
Mathieu PENOT : Batterie, Accessoires

Le pianiste Brad Mehldau se produit depuis le début des années 1990 avec son trio en tant que récitaliste. Sa personnalité musicale forme une dichotomie, entre,  d’un côté, l’improvisateur qui sait garantir l’effet de surprise et l’émerveillement et de l’autre, un artiste fasciné par la construction formelle de la musique. La structuration de sa pensée musicale est alors au service de l’expression. Ces deux aspects de la personnalité de Brad Mehldau se mêlent et s’opposent, provoquant un effet se rapprochant du chaos organisé. Mais c’est sans conteste en trio que le piano de Brad Mehldau prend toute sa dimension. Entouré de sa mythique rythmique composée du contrebassiste Larry Grenadier et du batteur Jeff Ballard, le géant américain peut s’engager sur tous les sentiers possibles et imaginables. Qu’il s’agisse d’un standard extrait du Great American Songbook, d’une reprise de Radiohead, de Paul McCartney ou de Nike Drake, voire d’une composition personnelle, Mehldau impose toujours son style si personnels et des improvisations aussi virtuoses que lyriques. C’est surtout la complicité qui règne au sein du trio qui fait la force de ce jazz d’une rare modernité. Un jazz en mouvement permanent, renversant, à l’image  de l’album « Seymour Reads The Constitution » que le trio a publié en 2018.

Musiciens :
Brad MEHLDAU : Piano
Larry GRENADIER : Contrebasse
Jeff BALLARD : Batterie

En recherche perpétuelle, Erik Truffaz continue ses explorations musicales et une fois encore il a renouvellé sa musique avec l’album « Lune Rouge » paru en octobre 2019. Pour ce concert du 29 novembre, Eric Truffaz sera entouré de Benoit Corboz et Marcello Giuliani, Trio avec lequel il façonne une rêverie musicale lunaire aux accents cosmiques. Un album captivant de poésie sidér(ante)ale. Aux frontières du jazz, de la pop instrumentale et de la musique électronique, « Lune Rouge » explore de nouveaux territoires sonores où se croisent mélodie et groove. Une superbe alchimie s’opère entre le timbre assez doux de la trompette et les sonorités synthétiques issues des années 70. Improvisations maîtrisées, envolées vibrantes et polyrythmies complexes se côtoient pour le meilleur. Avec ce répertoire de la « Lune Rouge », le retour à la gravité terrestre est difficile car avec Erik Truffaz Quartet on marche sur la lune ! Au fil des titres de « Lune Rouge », Erik Truffaz Quartet propose un voyage musical lyrique où la trompette poétique incite à une rêverie électro-groovy irriguée de sonorités électroniques vintage. L’oreille oscille entre hallucinations pulsatiles et apesanteur flottante. Le bonheur pour nous accompagner sur la clôture de cette 15ème édition, si spéciale, si inédite.Extraits de la chronique de Nicole VIDEMAN (www.latins-de-jazz.com)

Musiciens :
Erik TRUFFAZ : Trompette
Benoît CORBOZ : Piano, Claviers
Marcello GIULIANI : Basse
Arthur HNATEK : Batterie

Crée en 2010, Amazing Keystone Big Band exprime à la fois l’esprit des grandes formations de l’époque importante du Swing, et l’inventivité, l’ouverture, l’insolente virtuosité du jazz d’aujourd’hui. En 2018, il remporte la Victoire du Jazz du meilleur groupe de l’année. Complices depuis le Conservatoire, le pianiste Fred Nardin, le saxophoniste Jon Boutellier, le tromboniste Bastien Ballaz et le trompettiste David Enhco assurent la direction et les arrangements de l’orchestre. Ils considèrent aussi que cet orchestre d’amis triés sur le volet leur permet d’expérimenter des idées neuves, tout en revisitant les perles d’un répertoire insubmersible. The Amazing Keystone Big Band perpétue cette musique dansante tout en donnant libre cours à la créativité de ses musiciens, de leurs arrangements et de leurs compositions. Depuis sa création, l’orchestre a eu l’occasion de collaborer et d’écrire de la musique pour des artistes de renommée internationale tels que Quincy Jones, James Carter, Didier Lockwood, Thomas Dutronc… Il joue également un très large répertoire de standards jazz et de compositions originales. Récompensés d’une Victoire du Jazz dans la catégorie « Groupe de l’année » en 2018, ils reviennent en 2020 avec un album hommage à Ella Fitzgerald, « We love Ella ». Dans ce dernier album, les 17 musiciens de The Amazing Keystone Big Band nous emmènent dans l’univers des chansons d’Ella Fitzgerald, arrangées par les directeurs musicaux et interprétées pour l’occasion par Célia Kameni. En adaptant à sa manière le vaste répertoire de la légende Ella, l’Amazing Keystone Big Band donne une seconde jeunesse à ces standards intemporels, au fil d’arrangements originaux.

Musiciens :
Célia KAMENI : Chant
David ENHCO, Vincent LABARRE, Thierry SENEAU, Félicien BOUCHOT :  Trompettes
Bastien BALLAZ, Loïc BACHEVILLIER, Aloïs BENOIT, Sylvain THOMAS : Trombones
Jon BOUTELLIER, Kenny JEANNEY, Pierre DESASSIS, Eric PROST, Ghyslain REGARD : Saxophones
Fred NARDIN : Piano
Thibaut FRANÇOIS : Guitare électrique
Patrick MARADAN : Contrebasse
Romain SARRON : Batterie