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Le Festival Eclats D’Email Jazz Edition a toujours souhaité vous présenter des Artistes inspirés, affirmés, déjà reconnus au cours de leur carrière mais pas forcément encore très connus sur les scènes en France. Ouvrir notre Edition avec Justina Lee Brown sera tout simplement un pur bonheur, un moment de partage très intense et le signal d’une 20^ème Edition que l’on a souhaité la plus émouvante, la plus profonde dans ce que la musique peut nous offrir.

Chanteuse, auteur-compositrice, née et ayant grandi en Afrique, avant de s’installer en Europe, en Suisse, sa musique est un vibrant écho de ses racines africaines au Nigéria. Inspirée par des artistes comme Myriam Makeba, Anita Baker ou encore Etta James, elle navigue du blues à la soul en passant par le rock et le funk avec une voix magistrale, unique et puissante et un charisme qui font mouche à chaque fois.

Les chansons de son dernier album “Black and White Feeling” font référence à une part de sa biographie personnelle, témoignage vivant de sa vie pleine de défis et d’accomplissements. Son développement en tant qu’artiste a été grandement influencé par les multiples cultures avec lesquelles elle a interagi, faisant d’elle une véritable citoyenne du monde et une artiste hors pair. Compositrice,  son approche de l’écriture est organique et intuitive, ce qui lui permet d’avoir des textes, de créer une atmosphère et un climat  qui résonnent fortement avec le public. Lorsque Justina Lee Brown monte sur scène, elle se donne totalement, habitée par des esprits qui la quittent dès le concert terminé. Dans ces moments suspendus, son énergie "dépasse les limites de son corps", précise-telle. "La scène est mon vrai « chez moi ». "Aujourd’hui, je ne suis ni Nigériane ni Suisse, mais juste une nomade."

Lauréate du « Women in Entertainment Award » en tant qu’artiste africaine, du « Swiss Blues Challenge », finaliste de « l’International Blues Challenge », Justina Lee Brown a récemment publié le titre « Billiki », écho déchirant au travail de sa fondation, JLB Care, qui lutte contre la maltraitance des enfants au Nigéria.

Le Festival Eclats D’Email Jazz Edition a toujours souhaité vous présenter des Artistes inspirés, affirmés, déjà reconnus au cours de leur carrière mais pas forcément encore très connus sur les scènes en France. Ouvrir notre Edition avec Justina Lee Brown sera tout simplement un pur bonheur, un moment de partage très intense et le signal d’une 20^ème Edition que l’on a souhaité la plus émouvante, la plus profonde dans ce que la musique peut nous offrir.

Chanteuse, auteur-compositrice, née et ayant grandi en Afrique, avant de s’installer en Europe, en Suisse, sa musique est un vibrant écho de ses racines africaines au Nigéria. Inspirée par des artistes comme Myriam Makeba, Anita Baker ou encore Etta James, elle navigue du blues à la soul en passant par le rock et le funk avec une voix magistrale, unique et puissante et un charisme qui font mouche à chaque fois.

Les chansons de son dernier album “Black and White Feeling” font référence à une part de sa biographie personnelle, témoignage vivant de sa vie pleine de défis et d’accomplissements. Son développement en tant qu’artiste a été grandement influencé par les multiples cultures avec lesquelles elle a interagi, faisant d’elle une véritable citoyenne du monde et une artiste hors pair. Compositrice,  son approche de l’écriture est organique et intuitive, ce qui lui permet d’avoir des textes, de créer une atmosphère et un climat  qui résonnent fortement avec le public. Lorsque Justina Lee Brown monte sur scène, elle se donne totalement, habitée par des esprits qui la quittent dès le concert terminé. Dans ces moments suspendus, son énergie "dépasse les limites de son corps", précise-telle. "La scène est mon vrai « chez moi ». "Aujourd’hui, je ne suis ni Nigériane ni Suisse, mais juste une nomade."

Lauréate du « Women in Entertainment Award » en tant qu’artiste africaine, du « Swiss Blues Challenge », finaliste de « l’International Blues Challenge », Justina Lee Brown a récemment publié le titre « Billiki », écho déchirant au travail de sa fondation, JLB Care, qui lutte contre la maltraitance des enfants au Nigéria.

Révélé en 2010 avec sa soul vintage et son charisme contagieux, Ben L’Oncle Soul n’a cessé de se réinventer. De ses premiers succès à des projets plus personnels comme Red Mango ou Is It You?, il trace une route entre exploration musicale et liberté créative, portée par son label Enchanté. En 2025, il revient avec Sad Generation, un album audacieux mêlant groove, sincérité et un retour assumé aux influences R&B des années 90.

Plusieurs années que l’on souhaitait accueillir Ludivine Issambourg sur le Festival … Cette musicienne virtuose à la sensibilité affirmée fait plus que jamais figure de pionnière : dès 2014, elle mêlait en un tourbillon volcanique jazz, électro, funk et hip-hop en construisant un univers dont l’originalité n’a fait que se confirmer au fil de quatre albums. « Outlaws », qui rendait hommage au grand flûtiste Hubert Laws, a été une étape majeure qui la voyait s’orienter vers un jazz-funk onirique au groove omniprésent, mettant superbement en valeur ses qualités d’instrumentiste et de compositrice. Désormais à la direction d’un Sextet de très haut niveau, elle nous présente « Above the Laws », suite très attendue qui sublime son répertoire fait de compositions originales, empreintes de la tradition jazz funk 70’s du label CTI, tout en intégrant quelques reprises soigneusement choisies. Toujours passionnée par le mélange des techniques d’expression du jazz (l’improvisation, l’harmonie, les arrangements mélodiques…) et celles du funk (le groove prédominant de la section rythmique, la puissance d’une section cuivre…), Ludivine apporte une vision moderne et résolument actuelle du jazz, héritée des artistes majeurs de l’Acid Jazz (Jamiroquai, Incognito) et insufflée depuis quelques années par les nouvelles scènes anglaise (Kamaal Williams, Yussef Dayes, Nubiyan Twist…) ou américaine (Snarky Puppy…). Par sa liberté, Ludivine Issambourg transcende les styles et délivre un son universel.

Attention !!! Phénomène en vue et un courant musical, le Blues, en pleine renaissance.

En moins d’un an, et à seulement 26 ans, le chanteur-guitariste D.K. Harrell est passé du statut d’artiste de blues prometteur à celui de musicien le plus recherché du monde du blues. Son premier album, « The Right Man on Little Village », a immédiatement remporté des critiques élogieuses dans le monde entier dès sa sortie en juin 2023 et est devenu le deuxième album de blues le plus joué à la radio américaine en 2023. En 2024, il a été honoré du titre de meilleur artiste émergent lors de la prestigieuse cérémonie des « Blues Music Awards » organisée par la Blues Foundation, basée à Memphis.

Harrell, 26 ans, est un guitariste autodidacte originaire de Ruston, une communauté rurale du nord de la Louisiane. Il s’est intéressé pour la première fois au blues à l’âge de 11 ans après avoir vu le film Cadillac Records, inspiré par les sons d’harmonica de Little Walter. Mais après avoir appris l’harmonica, Harrell est passé à la guitare à 13 ans, explorant le blues sous de nombreux angles jusqu’à ce qu’il découvre B.B. King. À partir de ce moment, Harrell s’est consacré au blues et a regardé toutes les vidéos et les archives de B.B. King qu’il a pu trouver. Il a saisi les subtilités et la dynamique de la musique de B.B King que d’autres personnes négligent. Et, tout aussi important, il a su exploiter les qualités intangibles qui ont fait de King le roi du blues.

Il fait une entrée très remarquée sur la scène du blues et ses concerts passionnés reflètent son amour du blues, et ses chansons dégagent une joie qui se transmet au public. C’est cette connexion qui construit dès à présent son héritage. « J’adore jouer de la musique pour les gens et les regarder partager cette expérience », dit Harrell. « J’ai toujours dit que la musique était ma voix. »

Sur scène, D.K Harrell dégage une autorité confondante au chant et à la guitare : placement, rythme, contrôle de puissance, décontraction, il maitrise tout avec un naturel qui en dit long sur son travail et son talent. On pense à un nouveau B.B KING, jeune dans le monde d’aujourd’hui, qui intègre dans son blues intrinsèque la modernité du funk et des techniques sonores tout en restant ancré dans la tradition.

Un concert d’exception au Grand Théâtre avec un artiste d’exception … comme on aime.

C’est toujours un immense plaisir pour un Festival que de découvrir et faire découvrir les talents d’artistes présents en Région. Avec C-LY, tout est là. Cette formation Trip Hop aux influences néo-classiques s’est créée en 2016 à l’initiative du pianiste Nicolas Granelet et du guitariste Sébastien Verlhac. D’abord constituée en duo, la formation reste en état d’expérimentation jusqu’en 2022 pour évoluer vers sa formation définitive avec l’arrivée de deux artistes issus d’anciennes collaborations. Alban Guyonnet, percussionniste dans plusieurs projets avec Nicolas Granelet rejoint alors C-LY aux côtés de Marjolaine Paitel, chanteuse charismatique que ce projet révèle dans tout ce qu’elle a de plus profond.

C-LY trouve ses marques et son esthétique autour d’un travail mêlant musique acoustique et électronique. Mélodiques lorsqu’elles nous bercent, dynamiques quand elles se libèrent, puissantes et sensibles quand elles s’élèvent, les compositions de C-LY recherchent la pureté sonore et la simplicité hypnotique. Les quatre musiciens se retrouvent ici pour un voyage singulier, à fleur de peau, jalonné de

portraits et de sensations, parcours d’une atmosphère  Trip Hop qui a connu son heure de gloire avec des groupes comme Massive Attack et Portishead et qui revient en grâce notamment auprès du jeune public à l’affut de sonorités authentiques et expérimentales. C-LY va nous porter bien haut, là où tout est beau.

Baptiste Herbin nous propose son nouvel Album Django! dans une formule en trio très épuré qui met en valeur de manière intime sa musicalité, sa culture et la maturité incroyable de son discours. Il est accompagné par André Ceccarelli, accompagnateur incomparable au son si fin, et Sylvain Romano à la contrebasse dont la musicalité et la solidité harmonique apporte toute sa plus-value au projet. Django! est une promenade dans l’univers du guitariste virtuose, s’inspirant tour à tour de la richesse de ses compositions, de son lyrisme époustouflant et de son talent d’improvisateur qui demeure aujourd’hui une référence absolue. Django! Nous révèle un artiste au sommet de son art et célèbre la naissance d’un trio d’exception.

Naïri Badal et Adélaïde Panaget forment depuis 2011 le Duo Jatekok, « jeu » en hongrois. Une idée qui fait leur signature. Habituées à présenter des projets originaux au public, que ce soit à travers le dessin sur sable, le mime ou le hip hop, le crossover ne les effraie pas, si bien qu’elles ont été appelées pour faire la première partie du groupe de métal allemand Rammstein à l’occasion de leur tournée dans les stades européens et américains de 2019 et 2022.

Les pianistes de formation classique - artistes associées de l’Opéra de Limoges - dépassent les frontières stylistiques et explorent depuis plusieurs années l’univers et l'esthétique jazz, depuis leur second disque Les Boys pour lequel elles ont travaillé avec le pianiste Baptiste Trotignon, et dans lequel elles ont enregistré ses 3 pièces pour 2 pianos ainsi que Points on jazz de Brubeck.

Pulsation, lyrisme et improvisation sont de mise dans Crazy Quilt, le programme pour deux pianos qu’elles nous concoctent à l’occasion d’Éclats d’émail. Elles reprennent la musique du disque Modern Music et en révèlent les résonances et les liens entre ces figures marquantes du jazz et de

la musique minimaliste américaine.

Un concert à leur image : dynamique et expressif !

Baptiste Herbin nous propose son nouvel Album Django! dans une formule en trio très épuré qui met en valeur de manière intime sa musicalité, sa culture et la maturité incroyable de son discours. Il est accompagné par André Ceccarelli, accompagnateur incomparable au son si fin, et Sylvain Romano à la contrebasse dont la musicalité et la solidité harmonique apporte toute sa plus-value au projet. Django! est une promenade dans l’univers du guitariste virtuose, s’inspirant tour à tour de la richesse de ses compositions, de son lyrisme époustouflant et de son talent d’improvisateur qui demeure aujourd’hui une référence absolue. Django! Nous révèle un artiste au sommet de son art et célèbre la naissance d’un trio d’exception.

Son seul passage à Limoges remonte au Festival Jazz en Limousin en 1991 au Grand Théâtre … ça sera cette année un des concerts très attendus de notre 20^ème Edition

Philadelphie est le berceau de nombreux grands musiciens, dont l'un des maîtres incontestés du piano jazz : Kenny Barron, né en 1943. Adolescent, il commence à jouer professionnellement avec l'orchestre de Mel Melvin. Encore au lycée, Kenny travaille avec le batteur Philly Joe Jones et à 19 ans, il déménage à New York et travaille en freelance avec Roy Haynes, Lee Morgan et James Moody, après que le saxophoniste ténor l'eut entendu jouer au Five Spot. C’est dans le groupe de Dizzy Gillespie que Kenny développe son goût pour les rythmes latins et caribéens. Après cinq ans avec Dizzy, Barron joue avec Freddie Hubbard, Stanley Turrentine, Milt Jackson et Buddy Rich. Au début des années 70, Kenny rejoint Yusef Lateef, qu’il considère comme une influence-clé dans son art de l'improvisation. Encouragé par Lateef à poursuivre des études universitaires, Barron alterne tournées et études et  obtient son B.A. en musique de l'Empire State College. En 1973, Kenny rejoint la faculté de l'Université Rutgers en tant que professeur de musique. Il occupe ce poste jusqu’en 2000, encadrant de nombreux jeunes talents d’aujourd’hui, notamment David Sanchez, Terence Blanchard et Regina Bell. En 1974, Kenny enregistre son premier album pour le label Muse, intitulé « Sunset To Dawn », le premier de plus de 40 enregistrements en tant que leader. Tout au long des années 80, Barron  collabore avec le grand saxophoniste ténor Stan Getz, en tournée avec son quatuor et en enregistrant plusieurs albums légendaires. Également au cours des années 80, il a co-fonde le quatuor » Sphère avec Buster Williams, Ben Riley et Charlie Rouse. Les propres enregistrements de Kenny Barron pour le Label Verve lui ont valu neuf nominations aux Grammy Awards. Qu'il joue en solo, en trio ou en quintet, Kenny Barron est reconnu mondialement comme un maître de l'interprétation et de la composition.

Ce n’est pas tous les jours que l’on a l’occasion d’entendre une légende vivante de la musique : le Kenny Barron Trio. Voici le jazz le plus élégant et lyrique que l’on puisse imaginer, délicatement métissé de rythmes latins et caribéens. Venez prendre le temps de savourer cette formation, unique sur la planète jazz … le rendez- vous est là.

Lors de la 3^ème Edition du Festival Eclats D’Email Jazz Edition, notamment les 17 et 18 novembre 2008, le public limougeaud découvrit au Théâtre Expression 7 un phénomène de 21 ans. Deux soirées, deux pianos solo, deux concerts exceptionnels, des instants gravés à jamais.  Depuis, Tigran Hamasyan est considéré comme l’un des pianistes/compositeurs jazz-rock les plus remarquables et les plus distinctifs de sa génération. Virtuose du piano doté d’un groove puissant, Hamasyan fusionne harmonieusement l’improvisation jazz puissante et le rock progressif avec la riche musique folklorique de son Arménie natale. Souvent comparé à Keith Jarrett pour ses performances habitées, il atteint sur scène de hauts degrés d’intensité. Pour cette 20^ème  Edition, il nous revient avec  le projet le plus ambitieux de sa carrière après 5 ans de conceptualisation , « The Bird Of A Thousand Voices ». Inspiré d’un conte mythologique arménien du même nom (Hazaran Blbul ) et mis en scène sous diverses formes de fictions cinématiques notamment, Tigran Hamasyan nous plonge dans une tradition orale et culturelle antique de son pays d’origine, celle de « l’Oiseau aux mille voix ». En dialogue fervent avec  ses trois autres musiciens et  Areni Agbadian, chanteuse à la voix angélique il nous livre la profondeur de ce projet élaboré pendant les mois de confinement dans son home studio à Los Angeles (le pianiste a depuis repris le chemin de l’Arménie avec sa famille pour retrouver sa patrie menacée par son voisin l’Azerbaïdjan) et nourri de sa collaboration de longue date avec le batteur et ingénieur du son Nate Wood, avec qui Tigran a enregistré les bases du projet. Ce répertoire intègre tout autant des mélodies arméniennes traditionnelles (telles que celles qu’il a enregistrées avec le Chœur national d’Erevan en 2014 pour ECM) que d’autres, créées de ses mains, qui, selon ses dires «auraient pu être composées en des temps très anciens». Convaincu que cette histoire initiatique immémoriale recèle «le pouvoir de nous montrer un chemin vers le plus profond de nous-mêmes et de nous transformer, pour nous aider à découvrir ce que nous sommes capables d’accomplir afin de changer le monde», le pianiste revendique la dimension spirituelle de son œuvre dont il veut croire que, en ces temps troublés qui sont les nôtres, elle peut aider à renouer avec l’harmonie intérieure et la paix.

Une troisième mi-temps dans un Tiers Lieu !!, célébrer deux soirées des 20 ans dans le Bâtiment 25, nouvel espace de vie à Limoges ! Il faut être à la hauteur de l’enjeu pour répondre aux valeurs présentes sur le site, en adéquation à celles qui infusent le Festival depuis le début : Créations artistiques, exigence de la qualité, découverte, curiosité. Il s’agissait, donc pour nous, de présenter un artiste incroyable associé à des amis musiciens tout aussi incroyables.

Comme souvent dans l’univers du contrebassiste, les cultures du pourtour Méditerranéen ont une place de choix, mais la route traverse aussi la Perse, et plus inattendu, l’Irlande, insularité oblige ! « Blue Maqam » donne à entendre huit langues chantées, petite Babel, où les paroles de Renaud et Solea évoquent des paysages émotionnels à la manière de haïkus. Au cœur de la musique se niche l’association contrebasse / voix ; celle de Solea Garcia-Fons, une première puisqu’il s’agit de sa fille, mais aussi parce que le chant a longtemps été absent de son univers. Et ici, Les lames du vibraphone de Stéphan Caracci (aussi présent au marimba basse lors des incursions aériennes du contrebassiste), avec les percussions de Jean-Luc Di Fraya dessinent un canevas propice aux envolées des Garcia-Fons. Le contrebassiste apparait comme l’un des mages de la scène jazz actuelle, l’un de ses passeurs les plus captivants. L’instrumentiste est de ceux qui ont régulièrement sorti la rivière de son lit, dévoyé le langage propre du jazz pour le sublimer aux effluves de fragrances lointaines. L’expressivité de son jeu surprend quand on connait le registre habituel de l’instrument, ici monté d’une cinquième cordes dans les aigus ; un monde orchestral insoupçonné surgit sous ses doigts agiles et espiègles. L’ensemble sonne comme un plaidoyer universaliste audacieux tant les nuages menacent à l’horizon.

Une troisième mi-temps dans un Tiers Lieu !!, célébrer deux soirées des 20 ans dans le Bâtiment 25, nouvel espace de vie à Limoges ! Il faut être à la hauteur de l’enjeu pour répondre aux valeurs présentes sur le site, en adéquation à celles qui infusent le Festival depuis le début : Créations artistiques, exigence de la qualité, découverte, curiosité. Il s’agissait, donc pour nous, de présenter un artiste incroyable associé à des amis musiciens tout aussi incroyables.

Sans concession aucune, Pierrick poursuit son irrésistible ascension explorant un jazz toujours plus profond, spirituel, communicatif, virtuose et contemporain. Cette force singulière le place aujourd’hui au rang des grands solistes internationaux et lui offre une place de choix parmi les leaders emblématiques de la scène européenne.

En parallèle d’une production discographique foisonnante, Pierrick Pédron écume les scènes depuis 2019 à la tête d’un quartet français. Il se compose de l’incontournable contrebassiste Thomas Bramerie (Toots Thielemans, Dee Dee Bridgewater, Jacky Terrasson), un partenaire de 30 ans, et de deux acteurs passionnants de la nouvelle scène, le pianiste Carl-Henri Morisset (Archie Shepp, Arnaud Dolmen ...), et le batteur Elie Martin-Charrière (Robinson Khoury, Mark Priore...).

Ce quartet intergénérationnel a su développer au fil du temps un vivre (le jazz) ensemble hors du commun. Dans la grande tradition de la transmission, la flagrante maturité des uns se mêle à la vitalité magmatique des autres. Le tout devient alors une entité unique, mouvante, interconnectée, créative et exigeante, hautement supérieur à la somme de ses parties.  

Témoin d’un des moments de grâce offert sur scène par le groupe, le directeur artistique Daniel Yvinec propose une nouvelle montagne à  gravir. Pourquoi ne pas se confronter à  l’impossible en revisitant "The Shape of Jazz to Come", l’un des disques charnière d’Ornette Coleman, enregistré en 1959. L’œuvre originale offre un nombre considérable d’interstices et de fenêtres ouvertes dans lesquelles le quartet va pouvoir s’engouffrer. Apposer des harmonies à  la musique d’Ornette s’avère un projet périlleux à bien des égards. Laurent Courthaliac, le « maitre harmoniste » se met au travail et imagine avec Pédron et Yvinec mille manières de transfigurer l’album-manifeste. 

S’immergeant dans l’univers d’Ornette, le saxophoniste en disséquera les ornements, les phrasés, il retranscrira ses solos, fera siennes les moindres fluctuations au point de reconsidérer sa propre manière de jouer le saxophone. Mus par une même force, un même désir, tous les partenaires impliqués plongent dans le matériau d’origine et le remodèlent à leur image. Au bout de l'aventure, se dévoile l’incontestable singularité d’un quartet extraordinaire. Toute la thématique d’Ornette est là, mais elle est réordonnée, son architecture est transfigurée ...Chaque titre, comme un jeu de piste, permet de célébrer l’essence de l’œuvre originale : une volonté farouche de toujours réaffirmer la liberté et de dessiner collectivement les contours d’un avenir commun.

Avec « Golden Cages », Faada Freddy rompt un long silence discographique. Voilà sept ans que le chanteur sénégalais n’avait rien livré depuis « Gospel Journey », album qui lui avait valu les éloges d’une presse unanime, une nomination aux Victoires de la Musique en 2016 et une consécration scénique avec près de 300  concerts. Ce nouvel album s’inscrit toutefois dans une continuité. Reprenant le parti pris de « Gospel Journey », il repose sur un dispositif où la voix, les claquements de mains, les percussions corporelles constituent les seuls éléments. Tous les rythmes, les sons d’instruments ont été produits à l’aide de la bouche ou du corps dans une approche aux antipodes des méthodes modernes d’enregistrement dominées par l’ordinateur et les logiciels. La voix de Faada est entourée d’un quintet vocal composé de Manu Vince, Marion Cassel, Philippe Aglaé, Jean Marc Lerigab et Martin Gamet, chacun dans un registre et une tonalité distincte donnant à l’ensemble richesse harmonique et chaleur.

« Ma musique, c’est 100% organique, d’origine humaine, et 0% d’origine technologique » revendique Faada. Avant de nuancer : « si j’utilise cette esthétique propre au gospel, la musique elle, c’est de la pop soul. »

« Golden Cages » propose des titres originaux que Faada a écrit, composé, produit dans un acte de liberté absolu. De « non-servitude » peut-on dire tant la chanson Golden Cages donnant son titre à l’album, semble s’inspirer du fameux Discours sur la Servitude Volontaire de La Boétie… « Nous vivons dans une société qui repose sur la standardisation de la pensée, l’acceptation, la soumission résume le chanteur. L’intelligence artificielle fait que l’on glisse peu à peu vers une absence de réflexion au risque d’une déshumanisation généralisée. Nous négligeons nos capacités intellectuelles et cognitives. Nous nous laissons enfermer dans ce que j’appelle « des cages dorées. ». C’est à cette accoutumance à une situation d’oubli de la liberté que répond l’approche non artificielle de « Golden Cage ».

Retrouvons nous, toutes et tous, présents en chair et en os à cette soirée d’exception…

L’histoire de la collaboration entre le Centre Dramatique National - Théâtre de l’Union et le Festival a permis au fil des ans le passage d’artistes français ou internationaux qui ne nous ont jamais laissés indifférents tant leur sensibilité et leur communion avec le public ont été fortes. Uriel Herman, Itamar Borochov, Lars Danielsson, Nasheet Waits, Paul Lay ….. tous ces concerts participent de l’atmosphère de cette salle, de cette relation.

Il est temps pour Lea Maria Fries de s’inscrire dans ces invitations. Chanteuse, cheffe d’orchestre, compositrice et parolière suisse-allemande influencée par le jazz, la pop, le rock, l’électro, la musique noire américaine, Léa Maria Fries est animée par la liberté de l’improvisation et s’impose désormais comme une voix à la fois singulière et audacieuse. Avec « Cléo », son nouvel album sorti en avril dernier, Léa Maria Fries repousse une fois de plus les frontières du Jazz vocal. Fidèle à son approche instinctive, elle compose une musique où la voix devient un instrument modulable, libre de toute contrainte, accompagné de textes finement ciselés et empreints d’une grande sensibilité, confirmant son statut d’artiste incontournable de la scène Jazz actuelle. À découvrir absolument…

Cette 20^ème Édition du Festival vous permettra de découvrir des révélations, compositeurs, compositrices, qui seront les grands noms de demain, Justina Lee Brown, D.K Harrell, Léa Maria Fries, Giorgi Mikadze… Ce sera à nouveau le cas pour notre clôture avec la chanteuse américaine Christie Dashiell. Très peu d’apparitions en France depuis 2024, année de ses premiers concerts, mais déjà une admiration et un développement de carrière très important aux U.S.A. depuis ces dernières années. Son album  "Journey in Black", paru à l’automne 2024, souligne fortement le caractère de Dashiell et renforce sa réputation dans la sphère musicale. Il a été récompensé par une critique cinq étoiles du magazine Downbeat.

Christie Dashiell est une chanteuse  compositrice née à Washington, DC, issue d'une famille de musiciens qui l'a influencée au chant dès son plus jeune âge. Aujourd’hui, sa capacité à improviser et sa technique de scat sont phénoménales. Son amplitude, d’un chant puissant à des harmonies vocales douces et sensuelles, affirme toute sa capacité à être reconnue comme une des artistes les plus recherchées de la scène Jazz internationale. Ses qualités de compositrice lui permettent de traduire ses thèmes de prédilection, la liberté, l’héritage, le deuil, la joie et bien évidemment l’amour, cet amour qui capte l’âme et le cœur. Une spiritualité profonde qu’elle habille de groove, de swing, et de soul pour notre plus grand bonheur. Une clôture d’exception.